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Jonathan Powell: A Genius Among the Tatra Mountains (1969-2025)

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(From left: Jonathan Powell, me, and David Conway,: A historic evening at Levoca’s Indian Summer Festival, a meeting of three former King’s College, Cambridge students united by music.)


Few artists combined talent, passion, and depth like Jonathan Powell. Pianist and composer of extraordinary skill, his genius was not only in flawless technique, but in the ability to bring complex and little-known works back to life. Composers such as Kaikhosru Sorabji, known for the extreme difficulty and length of their works, were for him challenges to embrace with enthusiasm and meticulous precision. Jonathan loved exploring details, discovering rare harmonies, and resurrecting forgotten musical texts, presenting their beauty to audiences with fidelity and unique sensitivity.


Jonathan was also a man of strong principles. When Russia invaded Ukraine, he decided to suspend any performance of Russian works until further notice. Tears in his eyes, yet firm and morally consistent: a gesture demonstrating how deeply his heart and his art were connected to the world around him.


A Unique Meeting in Levoca
Our first and only meeting with Jonathan took place at the Indian Summer Festival, organized by David Conway my former Kings College Cambridge University contemporary, and his wife Nadia, extraordinary promoters of high-quality music. It was a special evening: for the first time, three former King’s College, Cambridge students came together, even though Jonathan was twenty years younger than us.



His performance was hypnotic: a continuous flow of pieces without interruption, hands moving across the keys at almost impossible speed. He asked the audience not to applaud between pieces, invoking the discipline of great artists such as Keith Jarrett or Glenn Gould, who maintained complete control over their performance conditions.


Jonathan loved to dress entirely in white, reminiscent of Klaus Kinski, reflecting his intense, slightly theatrical personality, always part of his musical and visual identity.


Family and Dedication
Jonathan often performed in duet with Irena, his wife, creating moments of great intimacy and musical perfection. They lived in a secluded house in the Tatra Mountains, near the Ukrainian border. In addition to Irena, he leaves two beloved children, inheriting not only his love but also his sensitive and creative spirit.


(A magical duet by Paderewski evoking the beauty of the Tatra Mountains and played by husband and wife team Jonathan and Irena Powell at the Levoca Indian Summer festival 2025).


David recalls how it was impossible to take your eyes off Jonathan’s hands: they moved so fast across the keys they seemed to disappear, while the music filled every corner of the hall.


Life and Humanity of a Genius
Jonathan was not just a musician. Like many geniuses, he had intense sides and deep passions, sometimes imperious, and moments of fragility that emerged in his personal messages. His momentary anger does not define him; it reminds us that even extraordinary people face human challenges.


An Immense Loss
The news of his sudden death on December 27 left us stunned and saddened. His legacy will continue to grow, through every note played, every work interpreted, and through every listener discovering his art.

A memory of his energy on stage.
Jonathan Powell remains a beacon: a musical genius, a man of great heart, a beloved husband and father. His memory lives on through the notes he left behind and in the hearts of those who listened.

“A thousand notes unsung,
fingers stilled too soon.
The world waits for what never came,
yet in silence, your music burns.”

***
ITALIAN VERSION

Da sinistra: io, David e Jonathan Powell. Una serata storica al festival Indian Summer.


Pochi artisti uniscono talento, passione e profondità come Jonathan Powell. Pianista e compositore straordinario, il suo genio non era solo nella tecnica impeccabile, ma nella capacità di far rivivere opere complesse e poco conosciute. Compositori come Kaikhosru Sorabji, noti per le difficoltà estreme delle loro opere, erano per lui sfide da affrontare con entusiasmo e precisione maniacale.


Jonathan era anche un uomo di principi forti. Quando la Russia ha invaso l’Ucraina, decise di sospendere qualsiasi esecuzione di opere russe fino a nuovo ordine. Lacrime agli occhi, fermezza e coerenza morale: un gesto che dimostrava quanto il suo cuore e la sua arte fossero profondamente legati al mondo intorno a lui


Un incontro unico a Levoccia
Il nostro primo e unico incontro con Jonathan avvenne al festival Indian Summer, organizzato da David e sua moglie Nadia, entrambi straordinari promotori di musica di qualità. Fu una serata speciale: per la prima volta, tre ex studenti del King’s College di Cambridge si ritrovavano insieme, anche se Jonathan era vent’anni più giovane di noi.

Jonathan Powell e David, dietro le quinte del festival.
La sua performance fu ipnotica: un flusso continuo di pezzi senza interruzioni, le mani correvano sui tasti in una sequenza quasi impossibile da seguire. Chiese al pubblico di non applaudire tra un pezzo e l’altro, richiamando la disciplina di grandi come Keith Jarrett o Glenn Gould. Jonathan amava vestirsi completamente di bianco, come Klaus Kinski, riflettendo la sua personalità intensa e leggermente teatrale.


Famiglia e dedizione
Jonathan suonava spesso in duetto con Irena, sua moglie, creando momenti di grande intimità e perfezione musicale. Vivevano in una casa isolata tra le montagne Tatra, vicino alla frontiera con l’Ucraina. Oltre a Irena, lascia due figli amatissimi, che hanno ereditato non solo il suo amore, ma anche il suo spirito sensibile e creativo.

Duetto magico immersi nella bellezza delle montagne Tatra. David ricorda come fosse impossibile distogliere lo sguardo dalle mani di Jonathan: si muovevano così rapidamente sui tasti che sembravano scomparire, mentre la musica riempiva ogni angolo della sala.


Vita e umanità di un genio

Jonathan non era solo un musicista. Come molti geni, aveva lati intensi e passioni profonde, talvolta imperiosi, e momenti di fragilità che emergevano nei suoi messaggi personali. La sua rabbia momentanea non definisce la sua vita: ci ricorda che anche le persone straordinarie affrontano sfide umane profonde.


Una perdita immensa
La notizia della sua morte improvvisa il 27 dicembre ci ha lasciati increduli e addolorati. La sua eredità continuerà a crescere, attraverso ogni nota suonata, ogni opera interpretata, e attraverso ogni ascoltatore che scoprirà la sua arte.

Un ricordo della sua energia sul palco.
Jonathan Powell rimane un faro: un genio musicale, un uomo di grande cuore, un marito e padre amatissimo. La sua memoria continuerà a vivere attraverso le note che ha lasciato e nei cuori di chi l’ha ascoltato.

“Mille note non cantate,
dita fermate troppo presto.
Il mondo attende ciò che non è mai arrivato,
eppure nel silenzio, la tua musica arde”


A Song for Granaiola’s Nativity

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🎶 Canzoncina del Presepe di Granaiola 🎶

E canta, canta il presepe nel cuore,
a Granaiola risplende l’amore.

Lo scoppio fa scintille, il fabbro batte il ferro,
il falegname intaglia il legno chiaro e sincero.

La donna al telaio tessendo va pian piano,
le api fan il miele nel loro piccolo arcano.

La scuola ride allegra, le zampogne van a suono,
i pastori scendon lenti verso il Bambino buono.

E canta, canta il presepe nel cuore,
a Granaiola risplende l’amore.

Nella capanna il Bambino è appena arrivato,
Maria lo culla piano, Giuseppe gli è accanto beato.

La stella brilla in cielo con un lume gentile,
e guida i Re Magi lungo il loro cammino sottile.

Arrivan da lontano con dono e devozione,
oro, incenso e mirra offrono con emozione.

E canta, canta il presepe nel cuore,
a Granaiola risplende l’amore.

Little Song of the Granaiola Nativity 🎶

Sing on, sing on, let the Nativity start,
In Granaiola love glows in every heart.

The spark-maker crackles, the blacksmith strikes true,
The carpenter carves wood in soft and honest hue.

The woman at the loom weaves slowly, line by line,
The bees are brewing honey in their little world divine.

The school is full of laughter, the bagpipes sweetly play,
The shepherds walk in silence where the Holy Baby lay.

Sing on, sing on, let the Nativity start,
In Granaiola love glows in every heart.

Inside the humble stable the Child has just been born,
Mary rocks Him softly, Joseph smiles in tender warmth.

The star up in the heavens shines with a gentle light,
And leads the Three Wise Travelers on their thin and silver flight.

From far they come with reverence, with gifts they humbly stand,
Gold, incense and myrrh they offer with devoted hand.

Sing on, sing on, let the Nativity start,
In Granaiola love glows in every heart

The Magic Flute

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While at university I had a relationship with a girl who chose her boyfriends according to whether they liked The Magic Flute or not. At the time I still had my reservations about this most sublime of Mozart’s creations — its humour seemed naïve, its structure a little scattered — but evidently I passed her test, because she stayed with me. In fact, her example persuaded me to adopt this astonishing singspiel as my own quiet yardstick for judging others: not exclusively, of course, but to a surprising degree.

But what is The Magic Flute really about? What made it so essential to that girl’s sense of discernment? Simply put, it is a journey from ignorance to enlightenment, from fear to understanding, from darkness to light — expressed through the language of myth, music, and magic. It operates on several levels at once: fairy tale, love story, moral fable, Masonic allegory, and even philosophical statement. That is why it remains both enchanting and mysterious.

A Singspiel — a popular form combining song with spoken dialogue — the work premiered on 30 September 1791 at Schikaneder’s Freihaus-Theater auf der Wieden in Vienna, just two months before Mozart’s death. Die Zauberflöte has never ceased to delight audiences of all ages, inspiring countless fine productions and even films.

Even from our slightly distant amphitheatre seats at Covent Garden’s Royal Opera House last night, the current production was dazzling. What truly took my breath away, though, was Kathryn Lewek’s incandescent performance as the Queen of the Night, delivering her vengeance aria with an almost supernatural brilliance. She has rightly been called the “queen of Queens of the Night.” I’ve never heard it sung so superbly.

I’ve always thought it rather unfair that poor Pamina should have such a mother — a Queen who gives her daughter a knife and demands she murder the high priest Sarastro, claiming he has usurped the empire of the Sun once promised to her by her late sorcerer husband. And yet, why should this Queen, as a woman, automatically represent the old regime of superstition and darkness, while Sarastro, a man, embodies reason and enlightenment? There are several lines in the singspiel suggesting that women require male guidance to attain virtue — quite something to hear from the pen of a libertine like Schikaneder. Last night, I noticed distinct murmurs of disapproval in the audience when those lines were sung.

Another enduring myth is that The Magic Flute was originally a cheap, tawdry production performed in a disreputable suburban theatre. Certainly not! Mozart and Schikaneder had been close since meeting in Salzburg in 1780, and theirs was a bond of genuine artistic respect. The Theatre auf der Wieden was a well-built, stone structure with a wooden interior, praised by contemporaries for the quality of its productions. Why, then, do we persist in inventing romantic tales of geniuses forced to “prostitute their talents for a bowl of lentils”?

It is, however, undeniably sad that Mozart died of rheumatic fever after only a few performances of his masterpiece. Schikaneder, deeply affected, organised a charity performance to aid Constanze, Mozart’s widow, in her financial distress.

I continue to adore The Magic Flute, attending performances as if they were sacred rituals — glimpses of a higher, more luminous plane. And it was a special privilege to attend it again last night, in the heart of London, with my own Pamina beside me.

Il Flauto Magico

Quando ero all’università ho avuto una relazione con una ragazza che sceglieva i suoi fidanzati in base al fatto che apprezzassero o meno Il Flauto Magico. All’epoca avevo ancora delle riserve su questa sublime creazione di Mozart – il suo umorismo sembrava ingenuo, la sua struttura un po’ discontinua – ma evidentemente superai la sua prova, perché lei mi rimase accanto. Anzi, il suo esempio mi convinse ad adottare questo sorprendente singspiel come mio silenzioso metro di giudizio per giudicare gli altri: non esclusivamente, ovviamente, ma in misura sorprendente.

Ma di cosa parla veramente Il Flauto Magico? Cosa lo ha reso così essenziale per il discernimento di quella ragazza? In parole povere, è un viaggio dall’ignoranza all’illuminazione, dalla paura alla comprensione, dall’oscurità alla luce, espresso attraverso il linguaggio del mito, della musica e della magia. Opera su più livelli contemporaneamente: fiaba, storia d’amore, favola morale, allegoria massonica e persino affermazione filosofica. Ecco perché rimane allo stesso tempo affascinante e misterioso.

Un Singspiel – una forma popolare che combina canto e dialogo parlato – l’opera debuttò il 30 settembre 1791 al Freihaus-Theater auf der Wieden di Schikaneder a Vienna, appena due mesi prima della morte di Mozart. Il Flauto Magico non ha mai smesso di deliziare il pubblico di tutte le età, ispirando innumerevoli produzioni e persino film di grande pregio.

Anche dai nostri posti leggermente distanti nell’anfiteatro della Royal Opera House del Covent Garden, ieri sera, la produzione in corso era abbagliante. Ciò che mi ha davvero lasciato senza fiato, però, è stata l’incandescente interpretazione di Kathryn Lewek nei panni della Regina della Notte, che ha cantato la sua aria di vendetta con una brillantezza quasi soprannaturale. È stata giustamente definita la “regina delle Regine della Notte”. Non l’avevo mai sentita cantare in modo così superbo.

Ho sempre pensato che fosse piuttosto ingiusto che la povera Pamina avesse una madre simile: una regina che dà alla figlia un coltello e le ordina di uccidere il sommo sacerdote Sarastro, sostenendo che questi abbia usurpato l’impero del Sole un tempo promessole dal suo defunto marito stregone. Eppure, perché questa regina, in quanto donna, dovrebbe automaticamente rappresentare l’antico regime di superstizione e oscurità, mentre Sarastro, un uomo, incarna la ragione e l’illuminazione? Ci sono diversi versi nel singspiel che suggeriscono che le donne abbiano bisogno della guida maschile per raggiungere la virtù – un bel pezzo da sentire dalla penna di un libertino come Schikaneder. Ieri sera, ho notato distinti mormorii di disapprovazione tra il pubblico quando sono stati cantati quei versi.

Un altro mito persistente è che Il flauto magico fosse originariamente una produzione scadente e di cattivo gusto messa in scena in un teatro di periferia malfamato. Certamente no! Mozart e Schikaneder erano stati molto vicini sin dal loro incontro a Salisburgo nel 1780, e il loro era un legame di autentico rispetto artistico. Il Theatre auf der Wieden era una struttura in pietra ben costruita con interni in legno, elogiata dai contemporanei per la qualità delle sue produzioni. Perché, allora, ostinarci a inventare storie romantiche di geni costretti a “prostituire il loro talento per una ciotola di lenticchie”?

È, tuttavia, innegabilmente triste che Mozart sia morto di febbre reumatica dopo solo poche rappresentazioni del suo capolavoro. Schikaneder, profondamente colpito, organizzò uno spettacolo di beneficenza per aiutare Constanze, la vedova di Mozart, nelle sue difficoltà finanziarie.

Continuo ad adorare Il flauto magico, assistendo alle rappresentazioni come se fossero rituali sacri, scorci di un piano più elevato e luminoso. Ed è stato un privilegio speciale assistervi di nuovo ieri sera, nel cuore di Londra, con la mia Pamina al mio fianco.

Paganini on Guitar and Accordion? Yes Indeed

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Few figures in musical history are as dazzlingly enigmatic as Niccolò Paganini. Celebrated across Europe for his supernatural virtuosity on the violin, he was, quite remarkably, an equally accomplished guitarist. Yet this side of his artistry was reserved for the private sphere, shielded from public display. Paganini cultivated his guitar playing in intimate settings, just as discreetly as he pursued his long and passionate liaison with Elisa Baciocchi, Princess of Lucca. It was to Lucca, after all, that he fled from the repressive atmosphere of his native Genoa, finding in this smaller but more liberal court both refuge and inspiration.

The evening began with a fascinating guided tour of the library archives of Borgo a Mozzano, whose ancient shelves still seem to hum with forgotten stories. Then followed the third concert in a series curated by Giacomo Brunini, himself a distinguished guitarist and head of the town’s Salotti Music School. This concert shone a spotlight on Paganini’s early years in Lucca—those formative yet often overlooked chapters before he became a veritable star of Europe’s concert halls, thrilling audiences from Vienna to Paris.

Into this narrative stepped the accordion—an instrument rarely associated with Paganini, yet brought vividly to life by Massimo Signorini, professor at the Parma Conservatoire and tireless advocate for the instrument’s rightful place on the concert stage. Signorini has not only unearthed new archival material relating to Paganini in Livorno, but also painstakingly transcribed and arranged the works performed during this exceptional recital.

The repertoire was far removed from mere salon trifles. (Ghiribizzo, the title gracing several of the pieces, translates aptly as “whim” or “fancy.”) The Adagio from the sonata Amoroso—an intimate evocation of two lovers’ whispered exchanges—was imbued with genuine lyrical depth. Throughout, one could sense Paganini’s genius already stirring: these youthful compositions foreshadowed the bold inventiveness of his later masterpieces, from the immortal Twenty-Four Caprices that would inspire both Rachmaninov and Andrew Lloyd Webber, to the violin concertos that pushed the techniques of Viotti and Carulli into dazzling new realms.

The duo’s performance was nothing short of revelatory. Their ensemble playing was perfectly poised; their balance and technique immaculate. It was music-making of the highest refinement, illuminating a lesser-known corner of Paganini’s output with rare sensitivity and brilliance.

Illness, however, was a constant companion throughout Paganini’s life. He was afflicted by Marfan syndrome, which lent him his spectral appearance, unnaturally long fingers, and uncanny flexibility. Later came syphilis and tuberculosis. Yet despite this catalogue of maladies, he lived to the age of fifty-eight, dying in 1840 without having received the last rites. His refusal was not born of unbelief but of a stubborn conviction that the time had not yet come. Rumour, ever eager to weave its legends, transformed this private decision into evidence of a diabolical pact—an idea that clung to his posthumous reputation. His burial was delayed; his body wandered as restlessly in death as he had in life, until at last it was laid to rest in Parma in an elegant neoclassical tomb.

What a figure he was—violinist, lover, adventurer, composer, a man who bewitched Europe. How precious it would be to hear his playing today! Yet he lived before recording could capture such magic. Still, wandering through the serene, sunlit rooms of the Villa Reale at Marlia, where Paganini once tutored Princess Elisa, one might almost catch an echo of the spell his music cast upon his contemporaries—and perhaps most powerfully, upon the Princess herself.

The concert series continues: the next event will be held at the Museo della Memoria in Borgo, preceded by a guided visit to the nearby Gothic Line bunkers—a fitting blend of music, history, and landscape.

Paganini alla chitarra e alla fisarmonica? Sì, certo.

Poche figure nella storia della musica sono così abbagliantemente enigmatiche come Niccolò Paganini. Celebrato in tutta Europa per il suo virtuosismo soprannaturale al violino, era, cosa piuttosto notevole, un chitarrista altrettanto abile. Eppure questo lato della sua arte era riservato alla sfera privata, al riparo dall’esposizione pubblica. Paganini coltivò la sua abilità chitarristica in contesti intimi, con la stessa discrezione con cui coltivò la sua lunga e appassionata relazione con Elisa Baciocchi, Principessa di Lucca. Dopotutto, fu a Lucca che fuggì dall’atmosfera repressiva della sua nativa Genova, trovando in questa corte più piccola ma più liberale rifugio e ispirazione.

La serata è iniziata con un’affascinante visita guidata all’archivio della biblioteca di Borgo a Mozzano, i cui antichi scaffali sembrano ancora risuonare di storie dimenticate. È seguito il terzo concerto di una serie curata da Giacomo Brunini, egli stesso un illustre chitarrista e direttore della Scuola di Musica Salotti della città. Questo concerto ha messo in luce i primi anni di Paganini a Lucca, quei capitoli formativi ma spesso trascurati prima che diventasse una vera e propria star delle sale da concerto europee, entusiasmando il pubblico da Vienna a Parigi.

In questa narrazione è entrata la fisarmonica, uno strumento raramente associato a Paganini, eppure vividamente riportato in vita da Massimo Signorini, professore al Conservatorio di Parma e instancabile sostenitore del giusto posto dello strumento sul palcoscenico concertistico. Signorini non solo ha portato alla luce nuovo materiale d’archivio relativo a Paganini a Livorno, ma ha anche meticolosamente trascritto e arrangiato le opere eseguite durante questo eccezionale recital.

Il repertorio era ben lontano dalle semplici inezie da salotto. (Ghiribizzo, il titolo che impreziosisce molti dei brani, si traduce appropriatamente come “capriccio” o “fantasia”). L’Adagio della sonata Amoroso, un’intima evocazione dei sussurri di due amanti, era intriso di autentica profondità lirica. In tutto il brano, si percepiva già il genio di Paganini in fermento: queste composizioni giovanili prefiguravano l’audace inventiva dei suoi capolavori successivi, dagli immortali Ventiquattro Capricci che avrebbero ispirato sia Rachmaninov che Andrew Lloyd Webber, ai concerti per violino che spinsero le tecniche di Viotti e Carulli verso nuovi, abbaglianti orizzonti.

L’esecuzione del duo fu a dir poco rivelatrice. Il loro ensemble era perfettamente equilibrato; il loro dialogo e la loro tecnica impeccabili. Fu una creazione musicale di altissima raffinatezza, che illuminò un angolo meno noto della produzione di Paganini con rara sensibilità e brillantezza.

La malattia, tuttavia, fu una compagna costante per tutta la vita di Paganini. Era affetto dalla sindrome di Marfan, che gli conferì il suo aspetto spettrale, dita innaturalmente lunghe e una straordinaria flessibilità. Più tardi arrivarono la sifilide e la tubercolosi. Eppure, nonostante questo catalogo di malattie, visse fino all’età di cinquantotto anni, morendo nel 1840 senza aver ricevuto l’estrema unzione. Il suo rifiuto non nacque dall’incredulità, ma dalla ostinata convinzione che il momento non fosse ancora giunto. La diceria, sempre desiderosa di tessere le sue leggende, trasformò questa decisione privata nella prova di un patto diabolico, un’idea che si aggrappò alla sua reputazione postuma. La sua sepoltura fu ritardata; il suo corpo vagò inquieto nella morte come aveva fatto in vita, finché non fu infine sepolto a Parma in un’elegante tomba neoclassica.

Che figura fu: violinista, amante, avventuriero, compositore, un uomo che stregò l’Europa. Quanto sarebbe prezioso ascoltare le sue registrazioni dal vivo oggi! Eppure visse prima che la registrazione potesse catturare tale magia. Passeggiando però per le serene e soleggiate stanze della Villa Reale di Marlia, dove Paganini un tempo fu precettore della Principessa Elisa, si potrebbe quasi cogliere un’eco dell’incantesimo che la sua musica esercitò sui suoi contemporanei e, forse in modo più potente, sulla Principessa stessa.

La serie di concerti continua: il prossimo evento si terrà al Museo della Memoria di Borgo, preceduto da una visita guidata ai vicini bunker della Linea Gotica, un perfetto connubio tra musica, storia e paesaggio.

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‘Farewell sweet prince.,’

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I learned a new Italian word yesterday: ‘Commiato’ which means ‘farewell’. At Lucca’s Green Cross ‘Casa del Commiato’ we said farewell to a long-standing friend.

Massimo Bartolini was a brilliant musician playing on guitar and mandolin French cabaret (he taught his daughter how to sing them), Italian folk song, Blue Grass (introducing me to Sierra Hull) and Spanish flamenco. He was a superb translator of the poems I published in 2017 and had started to help me with Anna Valencia’s ‘The Chestnut House’. A good friend, amazingly knowledgeable, a fond animal lover, Massimo was truly a person of the highest sensitivity.


He lived with his faithful dog within Lucca’s walls in a mediaeval apartment reached by the steepest of stairs. Here he kept an instrument workshop and a fine collection of books.

Massimo worked in a local government department until his retirement a few years ago. We shall all miss him very much.

I was impressed by the ‘Casa del Commiato’ which offers an alternative to obituaries, family wakes and church funerals by providing a fine environment in which to bid final departures to one’s loved ones.

Farewell Massimo!

Ieri ho imparato una nuova parola italiana: “Commiato”, che significa “addio”. Alla Casa del Commiato della Croce Verde di Lucca abbiamo salutato un amico di vecchia data.

Massimo Bartolini era un musicista brillante che suonava con chitarra e mandolino il cabaret francese (ha insegnato a sua figlia a cantarlo), la canzone popolare italiana, il Blue Grass (che mi ha fatto conoscere Sierra Hull) e il flamenco spagnolo. È stato un traduttore eccellente delle poesie che ho pubblicato nel 2017 e aveva iniziato ad aiutarmi con “The Chestnut House” di Anna Valencia. Un caro amico, una conoscenza straordinaria, un grande amante degli animali, Massimo era davvero una persona di altissima sensibilità.

Viveva con il suo fedele cane tra le mura di Lucca, in un appartamento medievale raggiungibile tramite una ripidissima scala. Qui aveva un laboratorio di strumenti musicali e una bella collezione di libri.

Massimo ha lavorato in un ufficio comunale fino al suo pensionamento, qualche anno fa. Ci mancherà moltissimo.

Sono rimasto colpito dalla “Casa del Commiato”, che offre un’alternativa ai necrologi, alle veglie funebri familiari e ai funerali in chiesa, offrendo un ambiente raffinato in cui dare l’ultimo saluto ai propri cari.

Addio Massimo!

Music for Ladies?

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What better way to celebrate international Women’s Day than a concert of music composed by women. After all didn’t a male (no less than Wagner) declare that music is a Lady?

The Gioia Giusti – Lucrezia Liberati duo played a fascinating repertoire, both with four hands on one piano and on two pianos, ranging from the seventeenth century to the end of the last century.

Perhaps only the earliest composer, De La Guerre, was fully appreciated in her time, receiving royal patronage and public appreciation. All the other women had to fight male chauvinism, the feeling that writing music wasn’t the done thing for women and that anything they wrote would be somehow second-best. Sometimes, as in the case of Clara Schumann, they even had to pass their own music as that of their husbands to get it published or even heard!

This attitude continued until recently. For example, Germaine Tailleferrre, the only woman in the radical ‘Les Six’ group of composers, had to divorce a commandeering husband to return to writing music. Mel Bonis even had to divorce two. Clara, on the other hand, gave up composing when her husband died in a lunatic asylum – after having given her eight kids – and devoted the rest of her life to playing his music in public.

The programme which, under the aegis of professor Cherubini, the ever-energetic president of the De Montaigne foundation organising the event, had taken several months to develop, was played to the highest standards of pianism by the truly talented duo. It would be hard to star the outstanding pieces but I, for one, was utterly captivated by the slow movement of Tailleferre’s two-piano sonata dating from the end of the last century. Anyway, I shall now hear Chaminade and Bonis among many others with reawakened ears!

PS The celebrations for international Women’s Day continues this Sunday with events at villa Webb starting from 15.00.

Quale modo migliore per celebrare la giornata internazionale della donna di un concerto di musica composta da donne! Dopotutto, un uomo (niente meno di Wagner) non ha forse dichiarato che la musica è una Signora?

Il duo Gioia Giusti – Lucrezia Liberati ha suonato un repertorio affascinante, sia a quattro mani su un pianoforte che su due pianoforti, che spaziava dal diciassettesimo secolo alla fine del secolo scorso.

Forse solo la prima compositrice, De La Guerre, fu pienamente apprezzata ai suoi tempi, ricevendo il patrocinio reale e l’apprezzamento del pubblico. Tutte le altre donne hanno dovuto combattere lo sciovinismo maschile, la sensazione che scrivere musica non fosse una cosa fatta per le donne e che qualsiasi cosa scrivessero sarebbe stata in qualche modo di seconda scelta. A volte, come nel caso di Clara Schumann, hanno persino dovuto spacciare la propria musica per quella dei loro mariti per farla pubblicare o persino ascoltare!

Questo atteggiamento è continuato fino a poco tempo fa. Ad esempio, Germaine Tailleferrre, l’unica donna del gruppo radicale di compositori “Les Six”, ha dovuto divorziare da un marito autoritario per tornare a scrivere musica. Mel Bonis dovette addirittura divorziare da due. Clara, d’altro canto, smise di comporre quando suo marito morì in un manicomio – dopo averle dato otto figli – e dedicò il resto della sua vita a suonare la sua musica in pubblico.

Il programma che, sotto l’egida del professor Cherubini, il sempre energico presidente della Fondazione De Montaigne che organizzava l’evento, aveva richiesto diversi mesi per essere elaborato, è stato suonato ai massimi livelli di pianismo dal duo veramente talentuoso. Sarebbe difficile dare la priorità ai pezzi eccezionali, ma io, per prima, sono rimasto completamente affascinato dal movimento lento della sonata per due pianoforti di Tailleferre risalente alla fine del secolo scorso. Comunque, ora ascolterò Chaminade e Bonis tra molte altre con orecchie risvegliate!

P.S. Le celebrazioni per la giornata internazionale della donna continuano questa domenica con eventi a villa Webb a partire dalle 15.00.

The Centennial Room

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Exactly one hundred years ago today perhaps the world’s most popular opera composer and one of its greatest, Giacomo Puccini, paid a locally much feted visit to Celle, the village where his family home is situated.

A few days later Puccini travelled to a clinic in Brussels where, sadly, he did not survive an operation for his throat cancer.

We were privileged to attend the remembrance of Puccini’s last visit to Celle commemorated with the laying of a wreath just as the sun was appearing, a lyric concert and the opening of a new room in the family home dedicated to this genius from the Lucchesia who now rightfully belongs to the whole world and to all lovers of the best music.

Oggi, esattamente cento anni fa, forse il compositore d’opera più conosciuto al mondo e uno dei più grandi, Giacomo Puccini, fece una visita molto celebrata a Celle, il villaggio dove si trova la sua casa di famiglia. Pochi giorni dopo, Puccini si recò in una clinica a Bruxelles dove, purtroppo, non sopravvisse a un’operazione per il suo cancro alla gola.

Abbiamo avuto il privilegio di partecipare alla commemorazione dell’ultima visita di Puccini a Celle, commemorata con la deposizione di una corona di fiori proprio mentre il sole stava finalmente sorgendo, un concerto lirico e l’inaugurazione di una nuova stanza nella casa di famiglia dedicata a questo genio della Lucchesia che ora appartiene di diritto al mondo intero e a tutti gli amanti della migliore musica.

A Duet of Concerts

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There were two fabulous concerts we attended yesterday.

First, in San Francesco’s monastery church, the Macle’ piano duo (Sabrina Dente and Annamaria Garibaldi) with music from both North (Gershwin) and South (Piazzolla) America. The artistes played with supreme elan giving a top performance in the wonderful series of concerts organised by Borgo a Mozzano’s ‘Salotti’ music school director, fine guitarist and all-round impresario Giacomo. Brunini.

Second, in Bagni di Lucca’s Casino’ Maurizio Geri (Guitar) and Riccardo Tesi (accordion) performed songs related to the Italian resistance movement in WWII, some traditional and others composed by them. An equally memorable concert with music which similarly combines life’s comedy, tragedy and ecstasy in great sounds.

How lucky we are to live in an area which offers so much to make us feel lucky to be alive to enjoy and appreciate!

Ieri abbiamo assistito a due concerti favolosi.

Primo, nella chiesa del monastero di San Francesco, il duo pianistico Macle’ (Sabrina Dente e Annamaria Garibaldi) con musica sia del Nord (Gershwin) che del Sud (Piazzolla) America. Gli artisti hanno suonato con supremo slancio, dando una performance di prim’ordine nella meravigliosa serie di concerti organizzata dal direttore della scuola di musica ‘Salotti’ di Borgo a Mozzano, bravo chitarrista e impresario a tutto tondo Giacomo Brunini.

Secondo, nel Casino’ di Bagni di Lucca Maurizio Geri (chitarra) e Riccardo Tesi (fisarmonica) hanno eseguito canzoni legate al movimento di resistenza italiano nella seconda guerra mondiale, alcune tradizionali e altre composte da loro. Un concerto altrettanto memorabile con musica che unisce in modo simile la commedia, la tragedia e l’estasi della vita in suoni grandiosi.

Quanto siamo fortunati a vivere in una zona che offre così tanto da farci sentire fortunati di essere vivi per godercela e apprezzarla!

Back in the Family

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What better place could we have been last night than at Giacomo Puccini’s family home for a concert to remember that it was a hundred years ago that he sadly died.

It is particularly poignant to remember that this was Giacomo’s last visit before he embarked on that fateful journey to the Bruxelles clinic to seek a cure for his throat cancer exacerbated by more than fifty years of smoking fifty a day.

The concert artistes all gave their best under the guidance of supreme Puccini opera producer Vivien Hewitt whose enthusiastic and elucidating presentations of the pieces sung gave us new insights into a composer who helped to transform opera into a higher (and maybe never to be surpassed) level of music drama.

Casa Puccini in Celle, a lovely little village in the val Pedogna, perhaps fills one more than any other place associated with this great composer and great lover of life with the feeling that ‘he is here’: Certainly the family home is so full of atmosphere, from the bed where Giacomo was born (its the original – the one in the Lucca house is a copy), to the ink blotched manuscripts where the composer penned his student sketches and set down themes for the greatest of his works to Edison’s present of a gramophone just to prove that the whole world could now listen to him

We feel so privileged to be a stone’s throw away from where the heart of Lucca’s musical treasury was born. It was an enchantment to be there ….and there too on the eve of our wedding anniversary… forty seven years so far!

Of Sanctuaries, Salad Days and Serpents

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Castelfiorentino doesn’t come to mind as one of Tuscany’s prime towns to visit. After all, near it are such places as Siena with a cathedral which made even Wagner cry with joy at its beauty, San Gimignano popularily called the mediaeval manhattan because of its tower houses and Certaldo, Boccaccio’s birthplace.


Even approaching Castelfiorentino with its abandoned industrial estate doesn’t entice. Yet it holds easily accessible wonders. We visited it primarily to see the gorgeous frescoes Benozzo Gozzoli (of Medici-Riccardi palace fame for his wondrous nativity painted in the chapel there) created for two local tabernacles. One is the Madonna della Tosse (of the cough – perhaps good for praying to if one has a sore throat). The other is the. Visitation. Both artistic beauties have been rescued from the elements and placed in a purpose-built museum of debatable aesthetic value but very well laid out all the same.


Castelfiorentino has some delightfully untouristy old streets containing a handful of inviting bars, restaurants and shops.It also has a medley of fine renaissance mansions and interesting churches.


The town’s finest ecclesiastical architecture, dedicated to its patron saint, is the sanctuary of Saint Verdiana, a name which means ‘youthful freshness’.


While children just out of school were playing ball games in the extensive green space in front of the church’s graceful eighteenth century façade we entered a baroque interior with a vast painting covering the whole of the nave ceiling and representing the apotheosis of the town’s patroness.


At the BEGO Gozzoli museum the young lady at the ticket desk had told us the story of Saint Verdiana.


‘She embraced a life of poverty, generosity and abstinence always seeking more ways of practising penance and abnegation to the point at which for thirty three years she lived immured in a tiny cell in the company of two spiteful snakes who were constantly biting her in an attempt to throw her out. She performed many miracles: shops empty of supplies found their stores filled with goodies the following morning. People were cured of terrible diseases’. (At this point I wondered whether she would have been able to cure snake bites). ‘At Verdiana ‘s death all the town’s church bells rang simultaneously without anyone handling them. Verdiana was appointed patroness of the town and people began to perform pilgrimages to her austere hovel.’


In the grandiloquent baroque church we found a staircase leading down to the place where Saint Verdiana lived with her two reptilian tormentors. There was no light but fortunately we switched on our telefonino torch and managed to find ourselves before a small brick hut with a barred entrance. Next to it in the tenebrous crypt was the statue of the saint and a little altar.


Today such a person as Verdiana could easily have been delivered into the hands of the local social services for corrective therapy. However, in an age where Faith reigned supreme she was made into a saint and worshipped. Would we call that change of attitude progress? I sometimes wonder.